Nyrmla’s Wedding II.

Avant ce séjour en France, j’avais lu un article sur les soeurs Singh et parcouru leur site, sans savoir que j’aurais l’occasion de voir leur oeuvre de près quelques jours plus tard à la National Portrait Gallery de Londres !

Amrit et Rabindra Singh, deux jumelles d’origine indienne et sikh vivant à Liverpool, ont créé depuis plus de vingt ans une oeuvre à quatre mains, relecture des miniatures classiques indiennes à l’aune de sujets contemporains. Qu’en penser ? Et bien, pour ma part, j’y vois malgré un aspect ludique une oeuvre à la visée extrêmement conformiste…*

Le cadre dans lequel les sœurs Singh travaillent est très précis, relevant d’une technique qui ne laisse pas de place à l’improvisation : la miniature indienne est (comme toutes les miniatures) extrêmement codifiée, tout étant destiné à produire une idée précise. Qui, en peu de mots, pourrait se résumer par : glorifier le pouvoir en place et confirmer la tradition. La miniature n’est pas contestatrice… et pourtant, il semble au premier abord que les soeurs Singh rompent avec cette caractéristique.

Plusieurs de leurs tableaux dénoncent en effet des éléments contemporains : la guerre en Irak, la collusion américano-britannique, la société de consommation et les grandes multinationales, l’occidentalisation à tout crin des cultures. Contestation donc du modèle contemporain…

From Zero to Hero. Un peu de baroque avec le couple Beckham ?

Et pourtant, cette contestation est factice. Ou en tout cas ne va pas bien loin : les soeurs Singh reprennent les conventions picturales sans les dépasser, et elles abordent les sujets contemporains pour insister sur les valeurs « en danger », soupirant avec nostalgie après la famille, le foyer, l’amour familial et les traditions ancestrales. Un discours que l’on entend dans une bonne partie de la classe moyenne indienne, et notamment la diaspora : ahhh, ce temps où les enfants respectaient leurs parents, connaissaient et appliquaient les traditions sans être dévoyés par les moeurs occidentales…

Un message d’un pur conservatisme social, très manichéen. Très niais en fait. Face à la société de consommation imposée par l’Occident qui détruit les « vraies valeurs » sur son passage, il faut se replier sur les seuls principes valables, à savoir la famille et la tradition. Et les soeurs Singh ne vont ni plus ni moins loins que ça. Comme la miniature impose un univers pictural statique, si la réflexion n’apporte rien de nouveau, quel intérêt ?

Alors, oui, regarder dans le détail les tableaux est ludique et une bonne part de leur succès vient de là : on y voit Ronald McDonald et Marilyn, des bollywooderies et des clins d’oeil au monde contemporain, du mehndi et Venus Williams. On scrute et on cherche Charlie, en quelque sorte. Mais les ficelles sont toujours les mêmes, cadre miniaturesque et idéal passéiste : à l’image des traditions glorifiées, l’ensemble est trop statique. Au final, les soeurs Singh souhaitaient redonner aux traditions artistiques indiennes un droit de cité dans l’art contemporain : alors oui, elles ont contemporanéisé le sujet, les techniques, mais sans y apporter de souffle nouveau. C’est dommage.

La seule œuvre dans celles que j’ai vues qui ait une réelle force, c’est la représentation de l’assaut donné au Temple d’Or, le lieu sacré des sikhs, par les troupes d’Indira Gandhi alors Premier ministre. Un véritable massacre, et l’on sent pour ces deux artistes la prégnance de cet événement et de ses répercussions dans la mémoire familiale. Ce tableau-là, plein de mouvement et chargé d’émotions diverses, loin du message conservateur des autres, a une véritable force d’évocation.

Parce qu’il ne cherche pas à faire passer un message quasi scolaire et sur-référencé mais plutôt à faire éprouver.

Nineteen Eighty-Four (The Storming Of The Golden Temple).

* Ce qui, tu te doutes, me dérange…

Note : toutes les illustrations proviennent du site des Singh Twins.

 

Trois ans après Seduced, je ne pouvais pas manquer Exposed (je collectionne les expositions dont le titre tient en un mot…). Seduced, c’était cette fantastique exposition du Barbican, interdite aux moins de 18 ans (dommaaaaaaaaaaaaaaaaage !), qui s’interrogeait sur la place du sexe dans l’art, son rôle et sa fonction en tant que symbole, détourné parfois, et comme élément référentiel gratuit. Merveilleux, drôle, osé, extrêmement bien mis en scène et en problématique, j’y serai retournée une deuxième fois si j’avais pu. Et rien que pour le plaisir, je republie le billet que j’avais écrit à l’époque…

Cette fois-ci à la Tate Modern, Exposed : Voyeurism, Surveillance and the Camera s’interroge sur la place et le rôle du photographe en tant que témoin et voyeur de son temps tant est entretenue une confusion entre photojournalisme, clichés people, surveillance et art… Toute personne armée d’un appareil photo est confrontée à cette question : à partir de quel moment suis-je indécent ? gênant ? intrusif ? Il n’est d’ailleurs pas anodin que l’exposition ait lieu dans le musée qui avait été contraint l’année dernière de décrocher le cliché de Brooke Shields, âgée d’une dizaine d’année, très maquillée et nue…

Les clichés estampillés « voyeurs » au premier abord se révèlent rapidement être les plus assumés et les moins problématiques : le photographe fait poser son sujet, se met en danger (en se montrant, en donnant des directives, en prenant un risque artistique) et imprime à son œuvre un sens élaboré à partir d’une démarche qui joue avec les limites. Mais en contrepoint, la photo parée de toutes les vertus du photojournalisme de guerre par exemple, comme un champ de bataille, et qui se révèle après coup être une scène organisée où les corps et les débris ont été soigneusement arrangés, devient beaucoup plus indécente que la première. Quelque chose trouble et déçoit. Car, plus que la vérité, le spectateur demande au cliché l’authenticité : l’intention, on y revient toujours, c’est l’intention qui compte et qui donne au cliché sa composante éthique.

La seconde question majeure est celle de l’intrusion : le photographe, donc le public, pose son regard sur une scène chargée de sens multiples. En cadrant et en exposant, il réduit ces sens, qui changent encore si le sujet sait être photographié… Au début de l’exposition, une série de portraits tirés dans la rue, Faces, à laquelle répondent des prises de vue de caméras de surveillance : à la sauvage, sans prévenir. Ce qui est souligné ici, c’est la question de savoir si l’un est plus répréhensible que l’autre : surveiller ou photographier d’une fenêtre, caché derrière un arbre ou d’une salle de contrôle, même combat ? Qui est voyeur au fond ? Et si nous sommes tous voyeurs, tous les clichés sont-ils justifiables ? La perméabilité entre les deux univers est rappelée, le matériau de surveillance pouvant devenir œuvre d’art (et cette dernière matériau de surveillance ?) quand une narration lui est appliquée : la photographie raconte une histoire, imprime une continuité entre des éléments disparates, comme dans cette série de clichés issus de la caméra de surveillance sur la place de Lindz avec laquelle joue … .

L’œuvre qui m’a sans doute le plus marquée est la plus intrusive je pense : je l’avais déjà vue (mais où ???) et à nouveau j’ai été happée dans un univers feutré, dérobé, pleinement sensuel au sens premier du temps. La photographe se fait passer pendant quelque temps pour une femme de chambre dans un hôtel. Régulièrement, elle prend des notes sur ce qu’elle trouve dans les chambres, photographie les objets et la « scène » laissée par les clients. Terriblement invasif, surtout quand les clients reviennent chaque soir : nous considérons par principe le regard d’une femme de chambre comme neutre, et cette œuvre fait prendre conscience d’une évidence (qu’il ne l’est jamais) et à quel point quelques objets laissés derrière nous, un lit défait, une paire de collants, une lunette de toilette relevée, parle de nous voire parle pour nous.

Intention du photographe, intention du sujet aussi, histoire narrée par le cliché et postérité visée, autant d’éléments qui font la photo : de la mondaine cherchant à maintenir son effet par une série de clichés mis en scène et distribués aux compositions scéniques de Richard Mapplethorp, des clichés de guerre à la vision d’un corps démembré sur fond de splendide paysage nicaraguayen, on comprend que la photo est un art de réflexion et de composition plus que du moment, c’est en cela que réside son éthique.

Shizuka Yokomizo, Stranger n° 1, 1998.

Cette artiste a demandé à des inconnus par lettre anonyme de poser, à une certaine

heure à leur fenêtre pour qu’elle puisse, elle étant à visage découvert,

les photographier : art ? voyeurisme ?

Exposed, Tate Modern, Londres : du 28 mai au 3 octobre 2010.

            Le Barbican Arts Centre. Cet énorme complexe culturel qui rassemble une galerie d’art, des salles de conférence, un théâtre, une bibliothèque, des cinémas et des restaurants. L’ensemble du quartier, situé dans la City, a beaucoup souffert des bombardements de la Seconde Guerre mondiale mais a eu la chance de bénéficier d’une reconstruction originale : tours d’appartements en briques reliées par des ponts et des places surélevés où s’épanouissent jardins, pièces d’eau et jeux pour enfants et où circulent les piétons, l’étage inférieur étant réservé aux voitures… Mais au-delà du réel intérêt historique et architectural du lieu, quelle était donc la VRAIE raison de notre venue ici, à une heure aussi tardive, juste à l’arrivée de l’Eurostar, avec nos sacs ? Il faut bien l’avouer, ce qui guidait nos pas c’était… le sexe.
            Oui, n’y allons pas par quatre chemins : l’exposition Seduced : Art and Sex from Antiquity to now est interdite aux moins de 18 ans. Et c’est bien la seule occurence de puritanisme dont j’aurais été témoin ce soir-là (et cette restriction est assez dommageable, finalement, à la réflexion que devrait entretenir tout adolescent sur le sexe, l’image du sexe et la pornographie : pourquoi donc, encore aujourd’hui, marquer au sceau de l’opprobre ce type d’exposition ? J’en suis encore étonnée…).
            Toujours est-il que nous ne savions pas très bien à quoi nous attendre : quelques objets et peintures érotiques ? Déjà mille fois vues ? Auxquels s’ajouteraient quelques objets puritains destinés à cacher ce qui ne doit être montré ou vu ? Hihihi, que nenni : nous étions jeunes et innocents en imaginant cela… Pour faire cru, de nouveau, voilà qui donnera une idée de l’ambiance générale de l’exposition :

Tracey Emin pose bien la question, n’est-ce pas ?

            Le sujet, la représentation du sexe, est brillament posée, problématisée et mise en scène : que permettons-nous d’être représenté et affirmé de l’acte sexuel ? Que ressentons-nous à la découverte de ce que l’autre pense du sexe, de ses fantasmes, de ses émois et de ses peurs ? Et finalement, la question « où la pornographie commence-t-elle ? » devient subsidiaire.
            On est alors heureux dans ce parcours initiatique de s’avancer dans le connu vu sous un jour nouveau (Rembrandt, Picasso, Duchamp) et de plonger, par instant, dans l’inconnu. Des objets romains et grecs fort explicites sur l’amour hétérosexuel ou l’initiation de jeunes disciples à l’amour, on retient un regard assez joueur (satyres et nymphes, positions acrobatiques sur les murs d’une villa de Pompéi et autres Priapes surdimensionnés…). Puis viennent les miniatures indiennes du XVIème siècle, mogholes pour la plupart donc musulmanes, révélant des talents acrobatiques incroyables de la part des participants. Mais je précise qu’ici, les participants ne sont que deux, et sont toujours un homme et une femme. Ce qui n’est pas le cas dans les miniatures japonaises : quelque puissance monstrueuse qui jaillisse du « Rêve de la femme d’un marin » d’Hokusai, les autres estampes et dessins sont de nature bien plus subtiles. Parfois, on met longtemps avant de voir qu’il s’agit de deux hommes ; bien sûr, quand il n’y a qu’un homme et plusieurs femmes, le peintre s’est chargé de le montrer de manière très claire. Plus suggestif, la culture très hygiéniste déjà de nos amis japonais : une des parties fines peintes montre le sol jonché de mouchoirs blancs utilisés… Et toujours une peinture extrêmement, et quand je dis extrêmement cela veut dire extrêmement, précise et détaillée des parties génitales de ces dames et de ces messieurs. Le regard perçant, jusqu’au bout…
            Ensuite, un gros vide : la période du XVIème au XIXème siècles inclus. Nada. La création du concept de pudeur, la pudibonderie et la pruderie apparaissent, ainsi que les faux-bons sentiments qui réduisent d’autant l’intérêt de ces siècles « purs »… OK, admettez que sans Beaumarchais, Crébillon et Sade, le XVIIIème ne serait pas folichon ! Pour se dérider et changer des vases de Sèvres dépeignant des scènes d’une mièvrerie à pleurer, « Léda et le cygne » attribué à Boucher ravit par son audace : « L’Origine du monde » de Courbet n’a qu’à bien se tenir !!!

            On passe ensuite à des choses plus contemporaines donc, avec une lecture du Kama Sûtra en passant, il n’y a pas de raison de s’en priver ! Et c’est tout d’abord une gigantesque collection de photos d’actes sexuels variés, rassemblée par un universitaire américain, le docteur Kingsey, pour catégoriser tous les comportements sexuels possibles depuis l’apparition de la photographie : on y voit des couples hétéro- et homosexuels, les codes de classements sont forts mystérieux (FEL HET, FEL HOM, ACT SEX ORDIN, ANA SEX HET etc…). Tout, absolument tout est montré, détaillé, pris en photo sans qu’on y voit à mal : des photos souvenirs (genre : la première prostituée de tel soldat en 1915, ou encore : « ça y est, j’ai réussi à me la faire sur le siège arrière : la preuve ! »). Si avec tout ça je ne suis pas répertoriée comme site porno…
            Puis, montée au second étage : et là, c’est du sérieux. Passons les esquisses tout à fait exeptionnelles et inconnues de moi de Picasso dépeignant Raphaël en train de faire des galipettes avec la Fornarina au Vatican sous l’oeil (étonné ? complice ?) du pape, quelques dessins de Klimt et Schiele et installations de Duchamp, nous arrivons aux éléments centraux de l’exposition : là où ça dérange (chaque salle est alors précédée de la mention : « attention, les images présentées ici peuvent choquer certaines sensibilités »). Les photos de Robert Mapplethorp : scandale, fétichisme et sadomasochisme… scandale, mais tellement intéressant sur notre vouloir-voir sans vraiment le vouloir. Au détour, deux vidéos sur l’orgasme, perçu par le spectateur uniquement sur les traits du visage : Blowjob d’Andy Warhol, long et statique, puis k r buxey, Requiem. Un moment  artistique d’une très grande et intense beauté, sincèrement !

Requiem, de k r buxey, et Blowjob d’Andy Warhol. 

           Découverte troublante, cette série de photos grand format de Jeff Koons, se mettant en scène lui-même avec la Cicciolina. Intitulée Made in Heaven, le glamour s’y mêle à la crudité des prises de vue, et à l’étrangeté de positions où les deux personnages sont en réalité seuls dans leur plaisir, regardant vers un ailleurs (Dieu ?), vers l’objectif ou dans le vide… A voir sur son site Jeff Koons, mais attention : âmes sensibles s’abstenir (ne vous laissez pas berner par la photo des gentils animaux gonflables, après c’est moins Disneyland ; enfin si, mais bon, c’est pas le même Disneyland…).
            Découverte plutôt déroutante avec la Chine cette fois-ci : des Peintures érotiques du Palais du Printemps (déjà passées par le musée Cernushi à Paris en 2006). Si les positions y sont sexuelles, on ne pas le nier, une pudeur et une retenue tempère l’ardeur du peintre à représenter les actes sexuels. Les personnages sont souvent à moitié habillés, le bas du corps étant dénudé et, parfois seulement, les parties génitales détaillées. Et là, surprise : les pieds des femmes sont voilés !!! On distingue seulement le bout extrêmement pointu des chaussures pour pieds bandés. Alors qu’il est prétendument signe de beauté, on refuse au pied féminin d’apparaître en pleine lumière, dans un moment d’intimité ; et le peintre refuse de le reproduire dans sa triste vérité, nu et broyé. L’intérêt ici est extrêmement fort : la douleur, la cruauté, la vilenie qui indigne n’est pas dans la sexualité où on l’attendait mais ici (peut-être est-ce cette partie qui est interdite aux moins de 18 ans…). Un moment de tabou dans une exposition sans tabou.
        Enfin, bien plus drôle, un superbe slideshow de Nan Goldin sur des couples et leur manière de vivre leur sexualité au quotidien. Deux jeunes amoureux, un couple de trentenaires avec enfant, un autre couple plus âgé, un couple d’homosexuels… Et tout à coup : mais, cette configurations d’appartements, ce train, ces parcs, ces cigarettes ??? Mais oui, mais c’est en France !!! Mouahahahahaha !!! Tous ces couples qui s’éclatent à qui mieux mieux, parce qu’il faut bien dire qu’ici le sexe règne décomplexé et assumé pleinement, en toute sérénité. Cette oeuvre, Heartbeat, aurait pu s’appeler « L’Amour à la française » (mais oui, rappelez-vous : les Fatals Picards…).

            En conclusion, une exposition libératrice et … jubilatoire !!!

Voilà. Cela se passe de mots, mais je ne peux m’empêcher d’en ajouter tout de même quelques-uns : qui de vous, blogueurs de peu de foi, a pensé que les Pokémon, Peanuts, Miffy et autres Schtroumpfs étaient de pures inventions sorties de la tête et de la plume de dessinateurs inspirés ? Oui, je le sais, tu n’as jamais cru un seul instant qu’ils existaient réellement, alors que tes enfants, tes jeunes voisins, tes élèves ou tes frères et soeurs (je n’ai pas été épargnée) te criaient la vérité de toute leur jeune voix stridente avec leur regard larmoyant de sincérité !

Oui, ce sont tous des êtres réels, ils sont LES chaînons manquants. Ils existent.

Ou tout au moins ont existé.

La preuve concrète.

Non, tu ne rêves pas. C’est bien elle…

Tu doutes encore, tu hésites et pourtant la preuve est là, sous tes yeux.

Que te faut-il de plus ??? Regarde bien, le « Peipiaosteus Pani » à côté est bien réel lui ! Alors…

Là, tu es convaincu. Je le sais.

Tables-fossiles exposées dans l’über-conceptuel Café du Museum of Contemporary Art de Shanghai, juin 2008.

Impossible toutefois de retrouver le nom de l’artiste, si vous avez une idée ?

]]> http://www.chouyosworld.com/2009/12/05/trois-chainons-manquants-retrouves/feed/ 34 http://www.chouyosworld.com/2009/11/19/quelques-annonces-atelier-a-bombay-et-concours-india-folaies-2/ http://www.chouyosworld.com/2009/11/19/quelques-annonces-atelier-a-bombay-et-concours-india-folaies-2/#comments Thu, 19 Nov 2009 05:04:30 +0000 Chouyo http://www.chouyosworld.com/?p=904 A Bombay, pour ceux qui y habitent, une petite annonce pour samedi : parce qu’il n’y a pas de mal à s’informer un peu plus sur les implications du changement climatique, question rarement posée en Inde et surtout à propos de l’Inde (on sait à quel point le gouvernement et les élites sont frileuses quand il s’agit de parler de pollution, de réchauffement climatique, du rôle que joue l’Inde dans celui-ci et de ce qu’elle peut faire pour y remédier), un atelier de formation est proposé par l’ONG The Climate Project India (le TCP a été fondé par Al Gore) à l’Alliance française de Bombay : n’hésitez pas à vous inscrire ICI pour pouvoir y assister samedi 21 novembre de 9h30 à 16h. Pour d’autres informations, vous pouvez contacter The Climate Project India (par mail : info [at] climateprojectindia.org ; le site : www.climateprojectindia.org).

Concernant le concours India Folaïes 2, une petite précision : mets la photo Bollywood fashionista sur ton blog, et préviens-moi par mail (dachouyo [at] gmail.com) ou en commentaire. Et si tu as besoin d’aide pour enfiler ton sari, t’enrouler dans ta nappe de fête ou dans tes rideaux fantaisie tout plein de pampilles damidotées, je te mets une petite vidéo délicieuse par une jeune Indonésienne qui explique comment mettre un sari. Et sinon, voici le code de la bannière si cela te dit te relayer l’information :

<img src="http://www.chouyosworld.com/wp-content/uploads/2009/11/Banni%C3%A8re-India-Fola%C3%AFes-2-petite.jpg"
 mce_src="http://www.chouyosworld.com/wp-content/uploads/2009/11/Bannière-India-Folaïes-2-petite.jpg"
 alt="Bannière India Folaïes 2 petite" title="Bannière India Folaïes 2 petite" class="size-full wp-image-907
 alignnone" height="200" width="155"> 

Jusqu’au 3 janvier 2010, le musée Cernuschi reçoit une collection étonnante de statues de la province du Shandong (façade nord-est de la Chine, au sud de Pékin), suite à la découverte fortuite lors de travaux à Qingzhou de représentations d’une qualité et d’un état de conservation rares. Et là, si l’entrée coûte tout de même à 9€, cela vaut à mon sens vraiment le coût et le coup d’y aller.

Quoique, ou parce que, réduite à une vingtaine de statues et panneaux, cette exposition vaut le détour, tant par la clairvoyance de la sélection opérée  et le raffinement des statues présentées : même les néophytes en matière d’art chinois médiéval ou de bouddhisme y trouveront un intérêt réel.

Pourquoi ? Toutes les statues datent du VIème siècle, ce qui confère à l’ensemble une grande cohérence : le visiteur n’est pas devant une collection éclectique dont il ne sait que faire et que comprendre, mais devant un seul type d’oeuvre et un seul style, qui évolue certes mais selon les mêmes canons. La présentation chronologique, selon les trois dynasties qui ont produit ces statues, permet de déceler facilement les évolutions de style, et les panneaux, conséquents, expliquent à la fois le contexte historique et le contexte religieux, ou comment l’expansion du bouddhisme et les adaptations qu’il subit en Chine transparaissent dans la statuaire.

Eclairés sobrement au milieu d’une pénombre apaisante, ces Bouddhas du Shandong laissent deviner leurs raffinements et leur simplicité. On décèle très rapidement les évolutions dans la représentation du Bouddha, des bodhisattvas (équivalents des saints, qui ont choisi de ne pas accéder au nirvana pour aider les autres à l’atteindre) et des apsaras (danseuses célestes) : la sinisation progressive des traits du visage, du costume, de la coiffe ou de la pose, ce passage des origines indiennes à la réappropriation totale par l’art chinois de ces figures. A la fin de ce parcours sur trois pièces, l’organisation de l’exposition implique de retourner sur ses pas, et d’à nouveau scruter les toges, les drapés, les coiffures, les bijoux pour comprendre, à reculons cette fois, les aboutissements et les origines de la représentations du Bouddha dans la Chine médiévale…

A voir donc, pour accomplir ses premiers pas dans l’art chinois avec satisfaction, ou apprécier pour ceux qui s’y connaissent plus la présence à portée de main d’une collection rare.

« Les Buddhas du Shandong », du 18 septembre 2009 au 3 janvier 2010, de 10h à 18h sauf lundis et jours fériés.

Musée Cernuschi, 7 avenue Vélasquez , 75008 Paris. Tél. : 01 53 96 21 50.

Pour voir une partie de la collection, allez sur cet excellent site qui lui est consacré.

Nilofer Suleman, « Modern Fishes », 2008.

Dans les oeuvres de Nilofer Suleman, c’est la rue de l’Inde du Sud qui s’offre à toi : avec un regard extrêmement pertinent, elle donne une vision réjouissante d’un quotidien sublimé, mêlant tout ce qui fait qu’il exalte et insupporte à la fois.

Chaque tableau est une scène que l’on vit trois ou quatre fois par jour, l’arrêt de bus, le barbier ou l’astrologue du coin, l’échoppe du poissonnier ou l’étal de fruits. La couleur et le mouvement sont les deux personnages les plus évidents, en Inde comme dans l’oeuvre de Nilofer Suleman : et il ne faut pas s’y tromper, la couleur est aussi pimpante et bariolée que le mouvement est rigide et répété. Ce qui n’est pas sans rappeler l’art naïf caribéen, les traits simplifiés et la profusion de teintes vives : un dynamisme contraint, oxymore très applicable à l’Inde…

Pour le promeneur qui s’aventure au fin fond du quartier de Colaba, loin des touristes, au détour d’une minuscule ruelle fleurant le poisson, c’est donc un moment rare que celui-ci : pouvoir s’imprégner d’une représentation symbolique et réaliste à la fois de ce qui l’attend à quelques mètres seulement. Car la rue indienne, à Bangalore dont est originaire la peintre ou à Bombay dont elle s’inspire également, c’est bien cela : les échoppes, les passants, les habitués, les gestes du quotidien. Les mêmes visages que l’on finit par reconnaître dans le quartier, que l’on retrouve à l’étal du marchand de paan ou chez le coiffeur. Les détails font mouche : cheveux lissés et gominés, portable enfoncé dans le choli (corsage porté avec le sari), et surtout surtout… les slogans publicitaires.

C’est ce qui m’a enthousiasmé dans cette exposition, ce regard extérieur que porte Nilofer Suleman sur l’Inde : un sourire ou un rire, quand on est étranger notamment, lorsque l’on prend le temps de lire les innombrables inscriptions que portent les murs, les affiches, les voitures, les immeubles… Fresh fish since 1976. A fish a day keeps the apple away. Et toutes sortes d’affiches cinématographiques, publicitaires, de représentations religieuses qui ornent les murs des villes, avec leurs slogans d’une intelligence, d’un humour et d’une orthographe rares. Imedjet (immediate) delivery in 3 days : magnifique, non ? Ou bien ce panneau près de chez nous qui, pour vanter les mérites d’une agence publicitaire, explique simplement : « avoir une entreprise sans faire de publicité, c’est un peu comme faire un clin d’oeil à une fille dans le noir. Tu es le seul à savoir ce que tu fais… ».

Nilofer Suleman, « Satin Skin Powder », 2009.

Ce regard extérieur chez Nilofer Sulemani est tel que je me suis demandé si elle n’avait pas vécu longtemps à l’étranger. Dans Satin Skin Powder, que j’apprécie particulièrement, on voit cette belle femme, mariée, en train de lire alanguie au lit le matin. Scène quotidienne mais pas banale car tout autour d’elle, les preuves de son désir (inassouvi ? infidèle ?) : une photo d’Elvis ou d’un beau gosse de Bollywood juste derrière celle de son couple, son mari dévoué (tasse, rose, journal à la main, les dents propres et ayant sans doute rempli de billets le sac à main), le livre qu’elle lit (Dona Flor et ses deux maris…) et sur le mur la représentation des amours du plus coquin des dieux hindous, Krishna… J’avoue aimer aussi les détails particulièrement réalistes : ce mobilier ? C’est celui des hôtels heritage indiens, bois et carreaux de faïences décorés de fleurs avec les tâches d’humidité aux murs qui font aussi partie du décor, héhéhé…

Alors si tu veux voir plus d’oeuvres, va les admirer sur son site ou bien jusqu’au 7 novembre à la galerie Art Musings.

« Sulemani Chai », jusqu’au 7 novembre. Art Musings : 1, Admiralty Building, Colaba Cross Lane, 400 005 Mumbai ; tél. : +91-22-2216 3339 / 2218 6071.

Fenêtre du « Bella Apartment », vers 1880.

Souvent trop courtes, mal éclairées et finalement peu dotées du fait d’un parcours réduit, les expositions du Musée du Luxembourg sont parfois une déception. J’allais donc voir « Louis Comfort Tiffany : Couleurs et lumière » presque à reculons, terrorisée de surcroît par les 11€ du billet d’entrée, l’assurance que ce ne serait pas bien long et sans doute décevant… Mais Tiffany, tu vois… Pour une inconditionnelle de Mackintosh, des Préraphaélites, de Mucha, de la verrerie hongroise Zsolnay ou de l’Art Nouveau (et de Jeff Koons, mais ça n’a rien à voir…), je ne pouvais pas ne pas tenter cette expédition au Musée du Luxembourg.

Et grand bien m’en a pris ! A part des panneaux explicatifs ineptes (redondants et peu intéressants, à part celui sur les techniques du verre), les oeuvres de Tiffany qui sont présentées valent le déplacement pour un point de vue global sur ses créations de verre. On l’y voit sous toutes ses formes, évasé, aplati, bombé, corseté, « Favrile » surtout, sous toutes ses couleurs, rougeâtre, vert d’eau, bleu roi, recouvert de filaments d’or, et sous toutes ses textures, sablé, strié, ondulé, soufflé, tant et si bien que l’on n’a qu’une envie : celle d’y mettre la main !

Les vitraux tiennent la place essentielle dans cette exposition : pour autant, s’ils sont agréables à regarder, ils ne m’ont convaincue que dans leur aspect technique ; peut-être ai-je trop en tête ceux dessinés par Ingres pour la Chapelle Saint-Ferdinand / Notre-Dame de la Compassion (un lieu peu onnu de Paris, situé Porte Maillot) et me rappellent-ils trop les tableaux préraphaélites pour que je les apprécie à leur juste valeur. Quelques pièces à l’entrée donnent une idée de ses sources d’inspiration européennes, et les trop peu nombreuses pièces de décoration d’appartement (mosaïques de cheminée, chenêts, pare-cheminées etc.) ne fait qu’exciter la curiosité. Puis ce sont les vases et soliflores, les boîtes et surtout, bien évidemment, les lampes, qui permettent au visiteur d’avoir une vue d’ensemble plutôt satisfaisante de l’oeuvre de Tiffany.

Alors oui, cela vaut le déplacement ; et avec des explications plus détaillées et précises, moins historiques et moins grandhommistes, cela en vaudrait presque le prix.

« Louis Comfort Tiffany : Couleurs et lumière », Musée du Luxembourg, du 16 septembre 2009 au 17 janvier 2010. 11€.

Pour le coup, ce vitrail-ci n’y était pas et m’aurait beaucoup plus intéressée !

Vitrail de Louis C. Tiffany, « Education », visible à l’université de Yale.